|
|
我們所居住的這個世界，基本上是由兩種事物構成：物體和空間。每一個物體像是車子、蘋果、書本、甚至是你我，都有一個形狀或是形態。通常你可以藉由一個物體的形狀或形態拾起這個物體，有時後你可以從遠方，藉由你朋友的形狀認出他。就算你閉起眼睛，你還是可以用觸覺感覺到一個物體的存在，並且說出這個物體的形態。
形狀、形態與空間彼此之間有很緊密的關係。在這一講裡，你將會學到這三個要素的意義。
「形狀」是一塊區域；因為一個清晰或模糊的邊界，或因為明暗、色彩、紋理的不同，使其從隔鄰或周圍的空間中變的十分突出顯著。形狀具有外緣或「輪廓」﹝contour﹞，即使如下圖，只有一部分形式元素﹝如斷續的點或線﹞存在，我們看的時候會自動調整，還是會產生某種形狀的視覺效果。
德國心理學家在二十世紀早期就提出「格式塔心理學」﹝Gestalt psychology﹞的理論，認為人類在進行認知行為時，會自動將形狀中缺失的部份填滿，進而認識此形狀的觀點。其基本理論是觀賞者並不是逐一看到各個元素，再把它們組成整體的，而是直接看到整體，一個完形。 相比之下，只有在特別留意的情況下，才會意識到分立的元素。因此我們會從上圖左邊四個點看出一個正方形；從中間的眾多水平線看出一個三角形；從右邊的五個弧形看出一個圓形。 一般來說，形狀是平面或二度空間的，它有長度和寬度，如我們平常玩的球，它的形狀是圓形。形狀可以分成兩大類： 「幾何形狀」﹝geometric shapes﹞：它能利用製圖儀器繪製而成，如正方形、圓形、三角形、長方形、橢圓形等，工程製圖通常都是用這些形狀所構成。 「有機形狀」﹝organic shapes﹞：它是指輪廓弧線呈現自由形式的形狀，一般有機形狀是自然形成的，而藝術家可以用徒手方式，畫出自由線條組成美麗的圖畫。二十世紀科學讓我們從顯微鏡下看到許多微生世界的景象，再加上佛洛伊德心理學的發展，使我們在蘇俄表現主義畫家康丁斯基﹝Wassily Kandinsky﹞的作品《溫和的活力》﹝Moderate Energy﹞中看到有如阿米巴變形蟲的構圖形狀。
形狀在繪畫藝術裡有時如幾何圖形，有明確界線，如義大利畫家喬托﹝Giotto di Bondone﹞的《聖家族逃往埃及》﹝The Flight into Egypt﹞；也有需要從「格式塔」﹝Gestalt﹞理論來加以詮釋的，如荷蘭後期印象派畫家梵谷﹝Vincent van Gogh﹞的作品《夜間咖啡館》﹝Night Cafe﹞，運用平行的波紋曲線在燈泡四週構成具有動感，不斷射出的光線畫面；甚至因輪廓過於模糊或細小，無法決定任何確定的邊界，而成為無定形﹝amorphous﹞的形狀，如法國印象派畫家莫內﹝Claude Monet﹞的作品《日出印象》﹝Impression, Sunrise﹞。
形狀有很多種變化，從客觀的、幾何的、隱喻的、到無定形。根據作品需要，形狀的大小、位置、平衡、色彩、明暗、與紋理會有所不同。形狀也有靜止、穩定、活潑、生動，甚至有收縮或膨脹的效果，端看藝術家如何運用。 藝術家運用形狀有兩個目的：傳達他所看見或所想像的物質形式，並給予藝術作品某些視覺特徵或內容，因此使用形狀可以產生以下功能： ﹝1﹞讓作品有次序感、和諧感、與多樣性。
「形態」與「形狀」都具有長度與寬度，但是形態還具有深度，是三度空間的形體，舉凡生活中可以觸碰到的實體都屬於形態的範疇。形狀與形態之間有非常密切的關係，如下圖中所示：圓球的外形與圓筒的側面是個圓形；立方體的側面是個正方形；三角形可以長成一個金字塔型。
有些藝術家會在繪畫作品中畫出立體的假象，使觀賞者感受到圖畫中彷彿真有立體的存在。這種假象稱之為「隱喻形態」﹝implied forms﹞，相對於隱喻形態是「實在形態」﹝real forms﹞，通常是實心立體或成團塊狀的。 與形狀一樣，形態亦可分成「幾何形態」﹝geometric forms﹞和「有機形態」﹝organic forms﹞兩大類。前者如捷克布拉格城堡畫廊內的樓梯欄杆﹝baluster﹞，後者如英國抽象派雕刻家亨利•摩爾﹝Henry Moore﹞的作品《弓箭手》﹝The Archer﹞。
當藝術家用「實在形態」﹝real forms﹞創作時，實際上，他已經在進行一次雕刻﹝sculpture﹞工作。有些雕刻作品是獨立式的，換句話說你可以從任何一個方向觀賞它，但有些只顯示部分形態，而只能從特定的方向觀看。譬如，古希臘人用所謂的「浮雕」﹝relief﹞裝飾他們的神廟，中世紀的大教堂也用這種形態的雕刻裝飾其建築。
「浮雕」是一種在平面上，以雕塑的方式，利用比較淺的深度去創造影像的藝術。它的空間發展範疇，可以從突出非常受限的「淺浮雕」﹝low relief﹞，如義大利文藝復興初期雕刻家吉伯第﹝Lorenzo Ghiberti﹞所作，位於佛羅倫斯洗禮堂東門上的青銅鍍金作品《約瑟被賣為奴》﹝The Story of Joseph﹞，到較誇張的「高凸浮雕」﹝high relief﹞，如義大利比薩﹝Pisa﹞洗禮堂的講道壇﹝Pulpit﹞。浮雕主要是從前方而非環繞觀看。
「空間」是指介於物與物之間，環繞物與物四周或包含於物之內的間隔、距離或區域的意象，它的重要性存在於突顯形狀與形態的功能。在視覺藝術裡，空間可視為兼具有二次元空間與三次元空間的特性。 對於二次元的繪畫藝術來說，空間的類型可分為「裝飾空間」﹝decorative space﹞與「立體空間」﹝plastic space﹞兩種。 裝飾空間 裝飾空間受限於平坦的圖面，很難做出深度感。然而，若要做出純粹沒有深度感的裝飾空間也不容易，因為經過任何藝術元素組合之後都會有前進或後退的效果，如下圖所顯示的古埃及裝飾圖案。
立體空間 「立體」是指除了裝飾性以外所有的空間意像。藝術家的許多作品都是奠基於客觀世界中得到的經驗，因此很自然的會根據創作需要與感覺，來安排立體空間中的圖像位置；因為深度感可以有無限多種層次，無法做特定或固定的層次分類，所以在此僅就廣義的概念，依深度感將立體空間分成「淺近空間」﹝shallow space﹞與「無限空間」﹝infinite space﹞兩類。 「淺近空間」作品的重點是在圖畫表面，其整體構成的深度十分有限。許多現代藝術家利用淺近空間的理由，是因為這樣更能掌控作品的發展，同時有意保留畫面的平整。法國後期印象派畫家高更﹝Paul Gauguin﹞、野獸派畫家馬蒂斯﹝Henri Matisse﹞和義大利表現主義畫家莫迪里亞尼﹝Amedeo Modigliani﹞都是典型提倡運用淺近空間的藝術家。對他們來說，不畫出立體空間的深度錯覺，可以在安排裝飾性形狀時，更能夠隨心所欲，而使裝飾性形狀成為純粹的構成要素。
在「無限空間」的作品中，觀者的視線會進入到圖畫深處，就像是從一扇打開的窗戶望出去，窗外景色無限延伸。這種無限延伸的效果是利用空間指標的暗示而達成的，而空間指標是藉著藝術形式的某些關係所形成的。在繪畫空間裡，欲表現畫面的深遠感，一般採用「重疊」﹝overlapping﹞、「尺寸」﹝size﹞、「焦點」﹝focus﹞、「配置」﹝placement﹞、「強度與明度」﹝intensity and value﹞、或「線性透視」﹝linear perspective﹞等方式來達成。以下是這些表現方式的進一步解說。 重疊：是將形狀重疊在另一形狀上，形成前後的距離感。 尺寸：以近景的物體大，遠景的物體小來區分距離的差異。 焦點：以對焦的原理，凡在焦距範圍內的物體表現清晰、詳細，焦距外的物體表現較不清晰、簡略。 配置：將物體放置的高低來區分其遠近，近景物體畫在較低處，遠景物體則畫於較高處。 強度與明度：將遠處的物體使用低強度與較明亮的顏色，以區分遠近的距離感。 線性透視：運用透視傾斜的線條，使物體逐漸向遠處聚集或變小。 無限空間的概念與「大氣透視法」﹝Atmospheric Perspective﹞自文藝復興萌芽開始便一起主導西方藝術直到十九世紀中葉。「大氣透視法」，亦稱「空氣遠近法」，由於空氣具有密度，使物體離我們愈遠時，其輪廓也就愈模糊，色澤就愈趨於暗淡而帶藍色。由於此概念、方法的所創造出來的空間錯覺與眼前所見的真實立體世界是一樣的，最著名的例子是義大利文藝復興三傑之一達文西﹝Leonardo da Vinci﹞的作品《蒙娜麗莎》，在藝術家細膩地掌握下，蒙娜麗莎身後的溪谷和山巒中，濕潤空氣，好似輕煙，正在蒸發，隱隱籠罩著若隱若現而蒼茫的大地，而蒙娜麗莎和風景之間的立體感及其位置所具有真實的空間深度，似乎具有神秘的力量。
自文藝復興萌芽開始直到十九世紀中葉，在不同時期運用無限空間概念作畫的藝術家還有林布蘭﹝Rembrandt van Rijn﹞、普桑﹝Nicolas Poussin﹞等人，它們都曾將深遠空間的錯覺效果發展的更完美。
|
||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
