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一個成功的多媒體溝通方式，絕對不只是感官的運用，更有效的是要讓雙方在交談中深受感動，藉著建立溝通的情緒，充份表達彼此心裏的想法和情感。 除了充分的溝通內容以外，還要有良好的溝通情緒，這要看看溝通介面上賞心悅目的視覺效果。如果運用到藝術層面時，它更能打動心靈深處，扣緊情緒。也就是要從人類的美感經驗了解，如何運用圖形、文字、聲音、動態影像等多種媒體，才能打動觀眾的心。 當談到藝術的領域時，沒有什麼困難的規則和速成的判斷方法。唯一的妙方就是要有好的品味。品味是可以從知識中學習培養的。如果您對多媒體有興趣，也想把多媒體當藝術來創作，那麼，首先要了解美學。 什麼是「美學」呢？ 美學是以美感經驗為中心，研究美和藝術的科學。它包含： 美的哲學：從現實到藝術，從欣賞到創作，它試著探討美的現象的共同本質，而這美的現象本身是繽紛複雜的。 審美心理學：人的審美活動是一個包括感知、想像、理解、情感等很多因素交錯融合的心理現象。這種複雜的心理活動正是審美心理學所要研究的。 藝術心理學：它包括藝術理論、藝術批評和藝術史三方面。藝術並不僅僅是美，但不美的東西，我們不能稱它為藝術。我們在進行美的哲學思考，探討審美心理學的同時，必須注意藝術在美學研究中的地位。 雖然美學包含的範疇看來很廣，對一般大眾而言，好像很不容易學習。不過，我們如果知道是先有藝術作品然後再有美學，好比先有自然現況的存在然後才有科學，那麼了解美學就不是一件很難，反而是一件有趣的事了。 我們要了解美學可以從學習哲學家如何研究美學的方法著手。哲學家探討藝術家創造藝術作品的過程和經驗，再根據作品加以研究、分析，整理出美學。因此，學習哲學家直接討論世界著名藝術作品的方法，並觀摩同行的作品，加以分析，應該可以提昇我們從事設計、創作的品味。
羅丹﹝Auguste Rodin﹞曾經說過：「藝術就是感情。不過，如果沒有體積、比例、色彩的學問，沒有靈敏的手，最強烈的感情也是癱瘓的。」「要有耐心！不要依靠靈感。靈感是不存在的。藝術家的優良品質，無非是智慧、專心、真摯、意志。」偉大的藝術家留下不朽的榜樣。許多畫家喜歡「參照」過去大師們的作品，按照新的方式，和畫家自己的畫風，來重新呈現過去作品中所描繪的環境、氣氛、人物。 畢卡索﹝Pablo Picasso﹞的說過：「一個好的藝術家會模仿﹝copy﹞別人的作品；但一個偉大的藝術家，還懂得如何偷取﹝steal﹞別人作品中的精髓。」 西班牙超現實主義畫家米羅﹝Joan Miro﹞曾從十七世紀荷蘭畫家 H. M. 索爾格的《琵琶演奏者》一畫中獲得啟發，而繪製了《荷蘭室景一號》。我們從「琵琶演奏者」的草圖中，看到琵琶演奏者腳翹在腿上坐著，在他旁邊是一個斜靠著桌子的女人，桌腳邊邊有一隻狗和一隻貓，左邊，窗簾撩起，從那裡可以看到阿姆斯特丹的房屋。
對於索爾格的畫，米羅藉其畫面結構，運用夢幻能力，找到產生靈感的泉源，因此繪製了《荷蘭室景一號》﹝Dutch Interior I﹞。畫面上有上百個細節、事物和動物，充滿了歡樂的節日氣氛。
毫無疑問，能夠欣賞好作品的人是不多的。在美術館裡，甚或在廣場上的藝術品，只引起少數觀眾的注意。但是這些藝術品所包含的思想感情，總不免要滲入到廣大的群眾中去。事實是這樣的，除了天才作家之外，還有許多才氣較低的藝術家繼承那些天才作家的概念而使之普及。著作家受畫家的影響，畫家也受文學家的影響；在同時代的人的腦中，思想不斷地在交流。
我們觀賞藝術作品時，心中常有許多問題想要問。譬如：畢卡索的《格爾尼卡》﹝Guernica﹞是一件著名的藝術品，它一直是宗教團體、精神病醫學會議和美術課堂裡討論和研究的題目。
「格爾尼卡」原來是西班牙巴斯庫地方一座古都的名字。一九三七年四月二十六日，西班牙人民戰爭正激烈的進行，支持佛朗哥政府的希特勒領導的德國空軍，突然襲擊格爾尼卡，結果整座古都幾乎全部燒毀，造成數百名人民死亡。當時住在巴黎的畢卡索聽到格爾尼卡毀滅的消息，便以此為題材，將內心受到觸動的情感描繪出來，這便是「格爾尼卡」這幅大作。 畢卡索運用黑、白、灰的色調來表現畫境，使得整幅畫的畫面看起來如同服 喪般晦暗。房子正熊熊地燃燒著，一個女人被火燒著掉下來，停止呼吸的嬰兒、仰天哭泣的母親、四肢分離的士兵屍體，折斷的刀、刀子旁邊開著的白花。是電燈？還是炸彈爆炸的光芒？光芒下有一匹受盡苦楚的馬、不知如何是好的牛雙眼也濕潤了。整幅畫的結構和筆法看起來似乎相當粗率。人物的肢體被任意地任意地延長或縮短。手指和腳趾大得不協調，本是人的側面之處，卻有兩個眼睛不自然地長在一起，或是不自然地排列著。但是，若目不轉睛地注視這幅畫時，人體和臉的變形會越來越異常，女人們的恐懼或震驚的表情也越來越逼真，最後不由得會感受到身歷其境的強烈壓迫感。 論及這幅畫的文章實在不計其數，而常被問及的問題如下：
對於任何藝術作品你都可拿這些問題來發問。藝術家創造了藝術作品讓觀賞者欣賞。觀賞者根據「視覺原理」，經過一個「視覺過程」，了解藝術家和他的作品，形成了屬於觀賞者自己的「視覺經驗」。了解藝術家和藝術品，這和了解我們自己一樣，是需要時間和方法的。
包浩斯學派﹝Bauhous School﹞的創始人華特•葛羅畢斯﹝Walter Gropius﹞在其《Education Towards Creative Design》著書中，略謂現代藝術與造形設計，是根據視覺語言，諸如錯覺、空間的虛實關係、光和影、色彩心理、比例與對照，以及主觀的解釋和客觀的事實，藉以作為表現抽象造形的要素。 誠然，一件藝術品的造形，雖產生自靈感，而畫家的靈感，往往又是由人世而出世，繼之而超世，甚至超出倫理和理性，結果以致作品無法為人了解。由於上述的關係，因而我們必須從玄學中的另一方面，即根據科學尋求一項視覺的共通性，俾使觀賞者藉此共通性得以與作者在思想上互相溝通；同時又藉該項共通性，對藝術家的創作，行為加以有限度的管制。 對這項視覺的共通性，我們稱之為「視覺原理」。根據這個原理，人類對於相同的事物，如果用適當的時間和空間呈現，就會產生視覺的聯結，於是產生事物運動的知覺。視覺原理可以從三方面簡單的說明如下： 從對事物的方向而言：人在視覺上對於相同的事物會歸納在一起，包括大小類似、造型類似、明度或色彩類似、位置類似、方向類似、以及速度類似的事物等。 從對時間的方向而言：人類觀察事物所需的適當的視覺時間和事物的呈現速度有關。實驗證明，如果在電影中兩格之間，以多餘六分之一秒的速度放映，視覺上就會產生兩個動作不相連續的現象。 從對空間的方向而言：人類適當的視覺空間和視野中的參考架構有關。在物體靜止的時候，人類通常將大的物體視為小的物體的空間架構。在位移的作用裡，架構是保持靜止，而依附它的物象則被視為運動的。 為消除藝術家和觀眾間的隔膜，唯有將這原理和知識予以普遍推行。進而透過作品的媒介，使彼此達到思想和心靈的交流。從事藝術教育者，對於此項原理，更應有所研究，否則只知「靈感」而無科學理論的根據，或只知其然而說不出所以然，則現代藝術，將無從獲致立論的根基，且在教育上亦不能獲得一貫性的效果。
一件藝術品是由許多關係組成的，每一個要素在其中相互牽連。我們不能把「線條」從「明暗」和「色彩」裡分開來，或只看「空間」而忽視「動態」，或忽略「形狀」而考慮「肌理」。 我們欣賞藝術，方法上沒有所謂適當不適當，次序上也沒有所謂正確不正確；但是，需要有一個起點，和一些能幫忙我們，衡量自己是否真正在觀看藝術的特殊原則。我們從一個起點開始一路進展下去，思考這些原則是如何共同運作，自然會瞭解一件藝術品的整個面貌。這整個觀賞的過程稱為「視覺過程」。 譬如，當我們的眼睛前面放著一件古埃及的玻璃器皿時，如果觀察一下我們眼睛的行為，我們就能夠開始對視覺過程有所了解。當我們觀看這只瓶子時，我們發覺，主要吸引眼睛的是那些構成瓶子的裝飾線條。如果要描述一下，我們的眼睛在接觸這種裝飾時所作的活動，我們可以說，它是隨著裝飾裡的線條移動。這些線條使我們的眼睛移動，就如同我們的眼睛現在正隨著一行行的字移動一樣。由此可見，當藝術家在畫下一個條線時，他就是在提供一條路徑，讓我們的眼睛順著它遊歷。
我們欣賞一件藝術作品的程度，顯示我們有多少「看見」的能力。我們的視覺經驗愈豐富，我們從藝術家所創造的視覺形式中，所得到的快樂也相對地增加。不過，這種快樂不應該和藝術家表達出來的觀念，在我們內心引起的反應互相混淆。譬如，一幅以反對毀滅性戰爭為內容的油畫可能畫得不好，但會吸引我們，因為我們也有同樣的感觸。又如一幅以鄉村風景為內容的油畫，會使我們回想起令人懷念的童年時光。一座雕像，也會因為使我們聯想到某一位歷史或小說人物的美德，因而帶給我們溫馨、愉快。 藝術品的價值，要看創作它的藝術家，在視覺形式中表現出自己的觀念或情感的能力而定。根據同一個觀念，一個藝術家，他能同時從事好幾種不同的藝術創作活動，限制它的只是他本身的技術和知識而已。 有關藝術的觀念是可以累積的，而藝術本身卻不能。一個人經由體驗、觀看並討論一件藝術品的某些方法，和如何找到意義，這是屬於這個人自己的意義，因為是自己發現的。當你觀賞藝術的能力與日俱增時，你會把自己的心得，添加到已經知道的知識上，並激發新的創作靈感。
藝術家創作藝術作品與觀賞者去感受和了解一件藝術作品，是人類精神世界裡兩種不同的複雜行為。觀賞者欣賞藝術作品的最初也是最終的目的，是要能夠從創造性的藝術家的想像中得到益處。然而，藝術家出於衝動或出於無意識的慷慨，給了人類一個難得的機會，藉以在他所做的事情上發現趣味和意義。 藝術作品因藝術家而產生。在藝術家創作的過程中，它不斷地改變，不斷地和周圍的環境互相結合，造成不同的潛能與感應。藝術家從作品被創作的過程中，累積這些潛能與感應而形成「藝術家的視覺經驗」。藝術家對線條和色彩方面，視覺元素的體認非常敏銳。一般來說，作為一個多媒體藝術創作者可以從「藝術家的視覺經驗」中學習藝術家在作品創作中，對「材料」、「技術」、「平面」、「形狀」、「物理的空間」、「時間與運動」等問題的處理方法和觀念。 前面說過，觀賞者欣賞一件藝術作品的程度，在於他有多少「看見」的能力。觀賞者的視覺經驗愈豐富，他從藝術家所創造的視覺形式中，所得到的快樂也相對地增加。不過，隨著觀賞者接觸到更多的藝術作品，更加熟悉視覺的世界，觀賞者發現，為了客觀的討論一件藝術作品的價值，為了幫助大家窺見藝術作品更多視覺表現的可能，及更高的意義層次，需要一套客觀的方法，對作品進行批評，因此產生了批評家。 批評家或哲學家根據人類共通的視覺原理，歸納出一些能幫忙觀賞者，使其觀看藝術品時，能用以衡量自己是否真正瞭解藝術品的特殊途徑和美的原則。根據美的原則，做為一個觀賞者，從作品所表現的「線條」、「明暗」、「色彩」、「繪畫的空間」、「空間中的物體」、「視覺秩序」和「表現的統一性」等依序觀賞，應該可以充分享受藝術品中的快樂。 做為一個批評家，要注意作品的「風格」，並能「判定品質」。「風格」由兩個元素組成：即「所要表達的意思」和「作者個人的特性」。每一個藝術家必定都會努力描繪出他所見到的真理，但是他對真理的概念卻大部份是來自他自己的根本氣質、才度，和構成它們的宗教、哲學、社會、心理各方面的影響而來。批評家客觀的分析作品，提供其看法，可以協助觀賞者洞察一件藝術品中所存在的美感力量，進而感受到不尋常的美感經驗。 觀於這一講的內容，若讀者有進一步的興趣，可以到國立台灣大學非同步課程「視覺藝術欣賞與評析」學習。
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