第一部分：設計元素

第 5 講《色彩》

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本章內容

• 簡介﹝Introduction﹞
• 色彩理論﹝color Theory﹞
• 色彩的特徵﹝color characteristics﹞
• 用色彩從事藝術創作﹝using color to create art work )

　　在視覺的過程中，人們對於色彩的感受經常會有強烈的情緒反應，這樣的反應經常是直接而強烈的，而且將色彩與許多不同的經驗與情緒連接在一起。譬如，藍色會使我們感覺孤寂、悲哀，也使我們感覺陰涼；另一方面，紅色則予人熱情或渴望的感受。就像法國寫實主義時期畫家庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞的一幅油畫作品《靜物：蘋果和石榴》﹝Still Life with Apples and a Pomegranate﹞中的大片紅色，它本身就給我們很大的愉快感覺。但在另外一種情形，如車禍中的傷者，其身上所流的紅血，可能會在我們心中產生一種暴戾或毀滅的印象，這個事實說明了色彩對視覺經驗的影響力。

靜物：蘋果和石榴 ﹝Still Life with Apples and a Pomegranate﹞ 1871 年 庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞之作品 油彩•畫布，44 x 61 公分 國家畫廊，倫敦﹝London﹞，英國

　　由於色彩及其彩度有無限的變化可能，在線條之外，經常成為藝術家表達豐富感情的要素；特別在西方繪畫中，色彩的重要性絕不亞於線條描繪。因此，許多人就做了很多色彩實驗，並且建立了一些系統化的色彩原則，說明種種色彩的品質，以及各種彩度之間的相互關係。

　　當包浩斯設計學院成立時，在畫家教師康丁斯基﹝Wassily Kandinsky﹞和造型原理教師伊登﹝Johannes Itten﹞的指導之下，色彩是基礎設計的課程重點之一。尤其是伊登，他很強調從科學的角度去研究色彩，在二十世紀初，就提出了「基本色彩理論」﹝Basic Color Theory﹞。根據這個理論，他又進一步發展出一種新的「色環」﹝color wheel﹞，改變過去傳統對色彩的看法。這種色環後來被稱為「伊登色環」，至今一直都被廣為使用。

伊登色環

　　色環上有三種最基本的顏色，紅色、黃色和藍色，我們稱它們為「原色」﹝primary colors﹞。原色為不能經由其他色彩混色而成的色彩，反之，其他色彩則可以由這三種原色混合而得。

　　將三原色兩兩相互混合，會形成綠色、橙色、紫色，我們稱這三種顏色為「第二次色」﹝secondary colors﹞。再由原色與相鄰的第二次色相混合，形成黃綠色、黃橙色、藍綠色、藍紫色、紅橙色、紅紫色，我們稱這六種顏色為「第三次色」﹝tertiary colors﹞，有人另稱為「中間色」﹝intermediate colors﹞。將原色、第二次色和第三次色依照相混的順序排列成環狀造型，則形成伊登色環。

　　伊登在他的色彩訓練課程中，主張色彩理論須與造型理論合一運用，將色彩以「色相」﹝Hue﹞、「明度」﹝Value﹞和「彩度」﹝Intensity﹞有三種基本要素，作為教學主軸來訓練學生對於色彩的敏感度與心理感受度。

　　「色相」也稱為「色度」。肉眼在光線充足時，對不同的可視波長有不同的反應，而色相則是這些色彩的名稱，如紅、藍、綠等。因此，色相的功用便是標明色彩在光譜與色環中的位置。下圖所示的色環上面呈現了各種不同色相，不過藝術家為了清楚起見，一般是以十二色色環中的色相為標準。

　　「明度」或稱「亮度」﹝brightness﹞是色彩由亮到暗的變化，或者是說色彩反射光亮的多寡。在任何色相的最亮與最暗之間，存在著許多明度階。因此在某一色相中添加黑色或白色能夠產生範圍廣闊的明度變化，若加入不同份量的白色所產生的色彩，稱之為「淺色調」﹝tints﹞；若加入黑色，則稱為「暗色調」﹝shades﹞。下圖顯示色相的明度變化，右邊趨向暗色調，左邊則趨向淺色調。

　　「彩度」一詞有稱「飽和度」﹝saturation﹞是用來區分同色相中，較鮮豔或較模糊的差別，也就是分辨一個色彩是較飽和、較強烈，還是較灰濛或較微弱。當彩度稱為「濃度」﹝chroma﹞時，指的色彩的光線特質。一般來說，最飽和、最純粹的色彩，存在於光束穿過三棱鏡得出的光譜之中。不過，若藝術家運用的色料已是最接近光譜色彩的色料，就可以說這個色彩是最高彩度。

　　若將以上「色相」﹝Hue﹞、「明度」﹝Value﹞和「彩度」﹝Intensity﹞三者以立體方式呈現如下圖，更可了解彼此之間的關係。

　　根據伊登的基本色彩理論，色環是由一邊是暖色與一邊是冷色的兩個色系的色彩所組成。暖色系色彩包括黃色、橙色和紅色；冷色系色彩包括綠色、藍色和紫色。如果將這兩種相對的顏色排列在一起，會產生冷色越冷，暖色越暖的視覺效果。對於顏色的選擇，我們必先了解色彩對情緒的影響，當我們面對一個暖色系的顏色，我們應該會感受到這顏色帶給我們的暖意。

　　在色環上，凡是位於相對面的位置，形成 180 度的兩個顏色，我們稱之為「互補色」﹝complementary colors﹞，如紅色與綠色、藍色與橙色、黃色與紫色等。互補色運用在繪畫時，不同色彩的面積不一定要相等，最好給予適當的大小，才能獲致相互為用的優點。下圖荷蘭後期印象派畫家梵谷﹝Vincent van Gogh﹞所畫的作品《有烏鴉的麥田》﹝Wheat Field with Crows﹞，就是應用互補色，以對比的方式選擇藍色的天空背景以突顯橙黃色麥田的例子。

有烏鴉的麥田 ﹝Wheat Field with Crows﹞ 1890 年 梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品 油彩•畫布，50.5 x 100.5 公分 梵谷博物館，阿姆斯特丹﹝Amsterdam﹞，荷蘭

　　此外，位於色環上小於 90 度內的鄰近色彩，我們稱之為「類似色」﹝analogous colors﹞，如橙色與鄰近的黃橙、紅橙等顏色。類似色能產生調和的感覺，譬如西班牙矯飾主義時期畫家葛雷柯﹝El Greco﹞的作品《托利多風景》﹝A View of Toledo﹞，就是以綠色為主調，加上黃褚與藍綠之類似色，再輔以明度之變化，使整個畫面看來很調和。在這幅畫中，綠色和黃褚兩種基本顏色交錯混雜，主導了整座山巒。山巒的黃褚色時時截斷而發出螢光的綠色，城鎮的輪廓在陰暗天空的銀光映襯之下發出了亮藍色。

托利多風景 ﹝A View of Toledo﹞ 1597 ~ 1599 年 葛雷柯﹝El Greco﹞之作品 油彩•畫布，121 x 109 公分 大都會美術館，紐約﹝New York﹞，美國

　　藝術家根據他的經驗應用色彩，如同音樂家使用樂器吹奏或彈奏一般，可以創造出各種不同美好的形與色的組合。如同下面二幅法國印象派畫家畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞的作品。前面一幅《夏天林中小徑》﹝Path through the Woods in Summer﹞採用綠色為主色搭配墨綠色，使畫面呈現盛夏的炎熱；後面一幅《秋天林中小徑》﹝Autumn, Path through the Woods﹞則在綠色中間禿顯出黃色，使畫面呈現從盛夏轉入秋天的感覺。

秋天林中小徑 ﹝Autumn, Path through the Woods﹞ 1876 年 畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞之作品 油彩•畫布，81 x 65 公分 私人收藏

夏天林中小徑 ﹝Path through the Woods in Summer﹞ 1877 年 畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞之作品 油彩•畫布，81 x 65.7 公分 奧賽博物館，巴黎﹝Paris﹞，法國

　　荷蘭新造型主義藝術家蒙德里安﹝Piet Mondrian﹞的作品《構成 Ａ》﹝Composition A﹞運用水平和垂直的黑線條去分割畫面，然後在那些分割畫面中塗上色彩的原色，像是紅色、黃色和藍色。這種繪畫看起來呆板，其實是在描寫秩序，那些大小不一的方格、不同顏色及長短不同的線條所產生的和諧及韻律，是極具音樂性的。

構成 Ａ ﹝Composition A﹞ 1920 年 蒙德里安﹝Piet Mondrian﹞之作品 油彩•畫布，91.5 x 92 公分 國立現代美術館，羅馬﹝Rome﹞，義大利

　　在觀看過程當中，有許多人對於紅、黃、藍三種「原色」特別留意，進而形成特殊的視覺經驗。在於某些色彩經驗經常發生在大多數人的觀察當中，譬如人的眼睛很容易受到的吸引。既然大家對三原色都有這種反應，因此有些藝術家也特別重視這些色彩。

　　葛雷柯 ﹝El Greco ﹞在《脫掉基督的外衣》﹝The Disrobing of Christ﹞ 這幅畫中，為了組成畫面與畫中所描述的事件，主要人物都以原色描繪而成。基督穿著一襲紅袍，前景的人物則穿著藍色與黃色衣服。基督右邊的那個男子所穿的綠袍，面積雖然與其他主色區域相同，但是吸引我們的力量卻不一樣。就這幅畫來說，首先吸引觀賞者的目光，並且對於畫產生立即印象的是紅、藍、黃這三種色彩。

脫掉基督的外衣 ﹝The Disrobing of Christ﹞ 1577 ~ 1579 年 葛雷柯﹝El Greco﹞之作品 油彩•畫布，285 x 173 公分 主教堂，托利多﹝Toledo﹞，西班牙

　　既然三原色彩有其特殊的親近性，觀賞者就會在內心以這三種色彩為依據，利用它們與其他色彩的關係來觀察其他顏色。同樣的，藝術家也能從調色的過程所得到的經驗，譬如一個顏色與某一個原色之間的親疏關係，體會出調色過程所看到的其他顏色的特性。

　　從許多人的色彩經驗中，通常大家都知道把黃色和藍色混合會產生綠色，不過，即使沒有這種常識，實際上也會把綠色看成比較接近黃色或藍色，而不是接近紅色。致於綠色與紅色似乎就不容易相容，不過綠色與黃色就不一樣。同樣的橘色總是讓我們想到黃色與紅色，而非藍色。

　　藝術家既然觀察到不同色彩與某一個原色之間的親疏關係，就會利用這種情形來製造出不同的視覺效果。例如，庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞在《靜物：蘋果和石榴》的中央部分，安置一個近似純色，最鮮豔的紅色蘋果，其他周圍在這顆蘋果的其他紅色水果則比較晦暗。很明顯的，庫爾貝是運用色彩的明度與彩度，把同樣的顏色區分為較淡的與較深的、較亮與較暗的，以達到畫中所需要的立體效果。

靜物：蘋果和石榴 ﹝Still Life with Apples and a Pomegranate﹞ 1871 年 庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞之作品 油彩•畫布，44 x 61 公分 國家畫廊，倫敦﹝London﹞，英國

　　相對於中央這顆明度最亮的紅色蘋果，唯一用同等甚至更亮的明度繪出的水果，便是在它下方的那顆綠色蘋果。這兩顆蘋果使畫面前景部分形成一大片明亮的區域，如同被一道強光所照射。加上紅色特有的那種向觀賞者前進的暖色效果，使我們會產生自己正拿著燈光在照亮這幅景象的印象。不過，若再仔細觀察，中央這顆紅色蘋果並沒有因為它的色彩特質而有突出畫面之感，反而安定在畫面的構成中。主要原因是庫爾貝利用綠色的冷色與後退的色彩特質，把同等明亮的綠色蘋果擺在紅色蘋果旁邊，使觀賞者從這兩種色彩之間的自然對立，看到一種色彩的平衡。這種安排不但沒有減低中央區域的強度，反而加強了整幅畫的視覺表現。

　　相對於《脫掉基督的外衣》和《蘋果和石榴》這兩幅畫充分表現出三原色的特質，瑞士的表現主義畫家克利﹝Paul Klee﹞則藉由一系列不同彩度與明度的紅色，結合不同的形狀構圖，將他心目中玫瑰園中的情境在《玫瑰花園》﹝Rosengarten﹞這幅畫中表現出來。

玫瑰花園 ﹝Rosengarten﹞ 1920 年 克利﹝Paul Klee﹞之作品 油彩•卡紙板，49 x 42.5 公分 連巴赫市立美術館，慕尼黑﹝Munich﹞，德國

　　德裔美籍抽象派畫家阿伯斯﹝Josef Albers﹞運用簡潔的造型，完全專注於探討畫面內在的造形與色彩的相互關係與均衡，追求形與形間，色與色間的關係。你能體會作者採用何種色彩表現？各個色面的明暗與造型搭配之後，產生了何種空間效果？

阿伯斯﹝Josef Albers﹞ 《正方形的禮讚系列：陽光四射》 ﹝Homage to the Square: With Rays﹞ 1959 年 油彩•畫板，122.2 x 122.2 公分 大都會美術館，紐約﹝New York﹞，美國

阿伯斯﹝Josef Albers﹞ 《正方形的禮讚系列：輕聲細語》 ﹝Homage to the Square: Soft Spoken﹞ 1969年 油彩•畫布，121.9 x 121.9 公分 大都會美術館，紐約﹝New York﹞，美國

《設計原則：統一》