  第一部分：設計原則 ﹝第 1 講﹞設計過程
本章內容
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「基礎設計」課程分兩部份，第一部份為「設計原則」﹝design principles﹞，係從第一講到第六講；第一部份為「設計元素」﹝design elements﹞，係從第七講到第十三講。 由於一件設計工作需要依賴一些原則來評量其結果，而這些原則平常也用來做為一般事物是否美的標準。因此從古希臘亞里斯多德﹝Aristoteles﹞以來，到近代的康德﹝Kant﹞、黑格爾﹝Hegel﹞…等哲學家都曾對這個議題有過深入的探討。尤其心理學家與美學家更進一步根據人類美感的共通性，加以分析、檢討、整理與歸納，最後找出一些原則，成為「美的形式原理」：如統一、強調、比例、平衡、律動等。 美的形式原理是做為一個設計者必須了解的基本知識。其中的「統一」是最容易將一群視覺元素集合在一起，使一件設計作品能成為藝術品的首要原則。 以上所提到的五個美的形式原理將從第二講起到第六講止，依序講述。
設計的意義 當你看到「設計」﹝design﹞這兩個字，你會想到什麼？或許會想到時裝、建築、車型…等。事實上，「設計」這兩個字的意義不僅用於商業的範疇，它還包含更廣泛的意義。在字典裏面，「設計」的同義詞是「計畫」，因此「設計」是一種有計畫與有組織的行為。 藝術家﹝artist﹞，經常以一種視覺形式﹝visual form﹞來表現他的創作結果。在創作的過程，他必需隨時面對突來的問題並將它們解決。但是如果創作的目的主要是在解決某些預知的問題，那麼一般人會將藝術家改稱為設計師﹝designer﹞。 請參考圖﹝1-1﹞與圖﹝1-2﹞這兩張視覺設計作品。觀賞者只要從文字圖像的視覺安排就可以了解圖﹝1-1﹞的意義，設計這張作品比較是一種屬於需要創意的事情，在創作過程中，雖然藝術家會自己設定問題，但是對於問題的解決並沒有一定預設的答案。
然而觀賞圖﹝1-2﹞就必須經由文字本身的意義才可以了解。設計這張作品一定要先有問題的產生，然後再針對這個問題，以藝術創作的方式去解決這個問題。
我們經常聽到「藝術創作沒有一定的規則」這句話，這句話或許是對的，因為「創作」這回事確實是沒有什麼是絕對的對或錯。不過，太強調沒有一定的規則似乎隱含了隨便的意義，因此藝術及設計學校的學生在學習藝術創作的過程，並不適宜把自己假設為一位藝術家，通常是由老師給予特定的創作條件。 討論藝術作品通常須要將它的「內容」﹝content﹞與「形式」﹝form﹞加以分別。「內容」是藝術家想要敘述的一件事物、一個故事或是藝術家想借由作品本身對觀賞者傳達的訊息。「形式」則是藝術家表達內容的方式，純綷是一個視覺觀點，或是一種由不同設計元素與設計原則所構成的視覺安排。 在藝術創作裏面的「問題」則跟內容與形式兩者有關。有時候一件藝術作品的目的只是針對「美」而創作，並不在意是否有內容，這種藝術作品經常在裝飾藝術上可以看到。我們在往後的課程裏面，要談的是同時跟內容與形式有關的藝術創作。換言之，藝術在基礎設計這門課裏是具有「視覺傳達」﹝visual communication﹞的意義。
設計過程的步驟 我們經常聽到「一幅畫勝過千言萬言」，換句話說用圖畫比用文字更容易讓人了解意義，即使是用文字作為傳達的工具，我們看到文字也從圖畫演變過來的一種傳達訊息的符號。今天我們在很多地方看到圖畫被用來當作國際上的共同語言，甚至跟外星人溝通的工具，如圖﹝1-3﹞。
為了增強一件視覺作品的溝通效果，藝術家通常會同時使用圖像與文字，如果圖像本身的溝通效果非常好，即使是看不懂文字的觀賞者，也能夠了解作品的內容。譬如圖﹝1-4﹞這幅仿自國際特赦組織的一張海報，即使觀賞者不了解 Stoppt die Folter﹝德文：Stop Torture﹞的意義，也大概可以從圖像本身了解這張海報的意義，因為用刀片割手指頭是很痛的事。
不過有很多藝術作品只用圖像而不用文字，譬如圖﹝1-5﹞這幅以三角形與圓形構成的設計，不用文字也能讓觀賞者感受到脆弱的平衡。
再看圖﹝1-6﹞這個例子，從視覺畫面上直接就可以感覺到平衡，不過加上文字本身的意義，令觀賞者更具平衡之感。
以上這些藝術創作或視覺設計作品，都是來自於一些創作理念﹝idea﹞。但是如何產生創作理念，再如何將創作理念變成藝術作品，是很多人所關心的事情。對於這個問題，有很多書提到所謂「創意性的過程」﹝creative process﹞，這個過程包含了三個步驟：
這三個步驟可以不必連續進行，它們可以分別或者同時進行。
思考的起始 在創作之前必須要知道你要作的是什麼，所以思考必須從了解問題之所在開始，而這些問題包括：
對於一件有特殊議題的藝術創作，「思考」這個步驟是很重要的，尤其要考慮如何用視覺術語來表達作品的議題。 「思考」的第一步是以邏輯方式去想一想，有什麼圖像可以表達這個作品的議題，並一一列舉出來，如果能夠用草圖畫下來，效果更好。收集圖像的方法包括：參考其他設計師的作品、了解市場需求的現況或是與朋友腦力激盪…等。 第二步就是要選擇一個圖像，適合前述作品創作的限制或問題，並思考誰是作品的溝通對象？觀賞者可能會有什麼反應？這件作品會帶給觀賞者什麼樣的感覺？ 圖﹝1-7﹞這本《動態解剖學》書的封面以強而有力的人體肌腱為主要圖像，充分顯示了主題所需要的意涵。不過我們可以從這件作品中，看到設計師最初的設計理念是源自於法國雕刻家羅丹﹝Auguste Rodin﹞的著名作品《思考者》﹝The Thinker﹞，圖﹝1-8﹞。
形式與內容 設計過程中的思考步驟是一個爭論過程，它的主要工作是在決定內容與形式之間的關係。在爭論過程中，就像繪畫一樣，草圖需要不斷的被修改，以充份表現設計的原始理念。決定一件草圖修改的結果，可以源自於個人的靈感、地區文化價值的影響、過去大師的藝術作品或者滿足客戶的需求。 一件設計作品，如果它的形式與內容之間的關係非常清楚，那麼就很容易彰顯其傳播溝通的效果，換句話說，從作品的形式就能夠看出它的功能。 如果我們決定要佈置一個如圖﹝1-9﹞美國夏克﹝Shaker﹞式的室內景觀，就必須要考慮房間的門窗設計與家俱排設都具有線條簡單與樸質的特徵。
同樣的，圖﹝1-10﹞這張美國攝影家提斯﹝George Tice﹞的作品《夏克式室內景》﹝Shaker Interior﹞中，我們看到一扇連著護壁板的門、一張摺疊式桌子、一個盆子以及一個茶壺。它們都具有線條簡單的共同特色，如果將其中任何一件東西換成其他形式，整個畫面就會顯得不太協調。
「觀察」是要成為一位藝術家最基本的工夫，它是對自然與人為事物仔細觀察的行為。大部份的藝術家都會被周遭的視覺世界所刺激，也會從觀察其他藝術家作品的過程中自我學習。從觀察中，藝術家為自己尋找到創作靈感來源﹝source﹞，再根據某一項設計主題﹝subject﹞，就可以進行設計工作。 不過，到底有什麼方法可以幫忙觀賞者增進觀察的能力？首先他必須學習如何去看見。看見不只是「看」﹝look﹞而已，它更需要達到「見」﹝see﹞的程度。「看」與「見」之不同，猶如嬰孩牙牙學語之於成年人說話。「看」只意味在某個程度以內我們能用眼睛，使我們不被汽車撞倒，能讀懂報紙上的新聞，以及能看電視自娛而已。「見」則是一種要相當努力才會發生的行為，並不只是張開眼睛「看」就行，觀賞者必須用心的想他的眼睛到底接觸到的是什麼。
在日常生活中，極大多數人是經常「看」而不「見」，譬如在家裡，我們一定能夠一一指述屋內的物品，但卻很少人能夠描繪其中一張桌子的腳或一把椅子的把臂的形狀，也往往弄不清礎地板的顏色。如果「看」跟「見」是一般地容易，那麼只要在藝術品前面逗留越久，就越容易成為一位藝術批評家或是一位很有水準的觀賞者了。 觀賞者訓練自己去學習「見」時，首先要環視四周，審察那些與他朝夕共處的事物。譬如觀賞一張古代的桌子，他不能只向這張桌子望一眼，然後機械式地以一個字眼來簡單描述這張桌子。他應該察覺它的形狀，譬如它垂直的腳是如何與平面的桌面連結，再看看它們是如何湊合起來，接著再進一步看看這張桌子什麼地方有雕刻裝飾。 有許多人僅想依賴權威的見地去觀察事物，也就是透過一位批評家的眼睛去「見」，而不想自己親身去「見」，但是學習如何觀察一件事情，不能僅靠權威的見地，而必須透過實踐的過程，學習「見」到周圍的事物。 總而言之，學習如何「見」是增加我們對於各種視覺形式的經驗；而經驗的形成，有賴於繼續不斷地與周遭的無數事物保持新鮮的接觸。看看下面意一幅美國宗教藝術畫家格蘭伍德﹝Grant Wood﹞的作品《美國式哥德》﹝American Gothic﹞，你能透視這對夫婦的心，了解他們在想什麼嗎？
訓練如何去「見」，與訓練一個藝術家如何去畫並無不同。藝術家也許天生比較機巧，比較容易獲得這種能力，但是他也必須經常不斷地對週遭審視觀察，不斷增進培養他對於種種視覺形式的經驗。我們經常看到藝術家一有空就拿出速寫本畫畫，事實上，他就在訓練自己的審視能力。 當我們看到一位藝術家能迅速的用幾條明快的線條，鉤出一隻蘋果並塗抹出亮麗的光澤，我們必須知道這種能耐並不是他得天獨厚的，而是他一直觀察描繪那隻蘋果，才能夠細膩地了解其形、色、光澤或體積的種種特性。譬如法國野獸派﹝Fauvist﹞藝術家馬諦斯﹝Henri Matisse﹞以極其簡單的線條畫出的蝕刻版畫《天鵝》﹝Le Cygne﹞，看起來不過草草幾筆，好像很容易就學得到。其實他在完成這幅作品之前，已經詳細用心的完成一幅速寫畫。從實物的觀察中，馬諦斯熟悉了天鵝的種種特質，學到如何去看﹝見﹞它，終於能夠把天鵝描繪成一個優美的形狀。
用這個方法，藝術家把他的觀念清楚地表示出來。藉著他與客體的過去經驗，藝術家不僅熟知那些在視覺上十分重要的形狀特質，也學到了如何運用這些元素以便把形式賦予他的觀念。 從馬諦斯的《天鵝》創作中，我們看到藝術家以自然界的天鵝做為這件作品的創作靈感來源，然後再以蝕刻版畫為設計主題創造了這件作品。 來源：自然 前面談到，創作需要靈感來源，如馬諦斯的《天鵝》作品中所顯示的，「自然」是設計過程中觀察步驟的一個靈感來源。我們看看英國抽像雕刻家享利．摩爾﹝Henry Moore﹞的作品《立姿人形：刀口》﹝Large Standing Figure : Knife Edge﹞，它的創作靈感是源自於動物的骨頭，你看像不像呢？
來源：歷史與文化 除了「自然」以外，「歷史與文化」是設計過程中觀察步驟的另一個靈感來源。我們看一看下面兩幅畫，它們都在敘述同一則聖經的故事：約瑟夫在睡夢中接受到神的指示，為了避免殘暴的猶太國王希律的追殺耶穌，他立即帶著耶穌及瑪莉亞逃往埃及。前一幅是由義大利文藝復興﹝Renaissance﹞時期畫家卡巴喬﹝Vittore Carpaccio﹞所繪的《聖家族逃往埃及》﹝The Flight into Egypt﹞。後面一幅是義大利洛可可﹝Rococo﹞時期畫家提也波洛﹝Giovanni Domenico Tiepolo﹞所繪的《聖家族逃往埃及》﹝The Flight into Egypt﹞。
這兩幅畫雖然有共同的創作靈感，但是它們的創作時間前後相距超過兩百五十年，所用的技法也不盡相同，一個讀過聖經的人大概能看得懂畫中的故事，而沒有讀過聖經的人可能就無法理解了。這樣的創作靈感與藝術家的歷史和文化背景有關，許多藝術家為了描述歷史與宣揚文化，都以這類觀賞者能夠了解的故事作為創作的靈感，以達到傳播溝通的目的。
設計過程中行動步驟是從視覺實驗開始。對於大部分的藝術家或設計師，這時候他們想的是如何運用創作媒材。他們或許經歷了不斷的嘗試與失敗，或許根據一個瞬間一閃的靈感，或許運用複雜的系統將創作理念轉換成創作形式，這些形式可能是一個草稿，也可能是他們做了最後決定要使用的創作媒材。 一位活耀於六零年代的德國極少主義﹝Minimalist﹞藝術家海斯女士﹝Eva Hesse﹞對於創作媒材有下列兩個觀點：
以下是海斯女士的作品《工作室》﹝Studio﹞。這件作品集合了好幾件雕刻作品包括《九個網袋》﹝Nine Nets﹞，並充分反映出她前面對於創作媒材所說的兩個觀點。這些媒材包括了碎紙漿、布料、木頭，經過海斯女士的巧手之後都具有一定的形狀。也由於這些材料的特質，有的掛在牆壁，有的變成圓圈，有的變成相連在一起不同粗細的繩索。
設計過程中的行動步驟包含了連續地觀察和思考的動作，然而很少有一位藝術家用畢生的時間去創作一件作品。當一件藝術作品完成的時候，一般人往往會懷疑時間到底花在什麼地方，甚至忘了自己曾經想過什麼。這種經驗雖然包含了冒險和失敗的因素，但相信大家都會覺得愉快的。 建立自己的藝術創作靈感銀行 在後續的章節裡，有時會要求讀者想出一些自己的靈感。但是，靈感並不是隨時都會產生。就像許多偉大的藝術家一樣，有時候讀者也會發現自己實在是已經腸枯思竭了。在這個時候，讀者會體會到，建立一個屬於自己的「靈感銀行」，可能就是解決問題的答案。靈感銀行可以幫助讀者提高自己創作思考的力量。以下的創作練習將幫助每一位讀者建立一個屬於自己的靈感銀行。 |
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| 創作練習 |
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「靈感銀行」的建立 第一步：首先，請讀者自己找四個信封，分別標上「名詞」、「形容詞」、「動詞」和「副詞」。 第二步：請讀者針對每一個詞類想出一些字詞來，你可以使用字典來協助自己想出這些字詞，但是最好不要使用專有名詞。然後將不同的字詞寫在不同的紙片上，並將這些紙片放在已經正確標示的信封裡。等你做完這些動作之後，將信封交給其他的人，並請他們做同樣的事情。以後這些信封和其中的紙片就是你將來的靈感銀行。 第三步：有了靈感銀行之後，當你需要靈感時，不妨分別從不同的信封裡各抽出一張紙，並依照形容詞─名詞─副詞─動詞的次序，將這些紙片排在桌上。如果當你發現一個你喜歡的字詞組合，那麼就可以試著用這個字詞組合來為自己激發出一個有趣的靈感。 第四步：在一張八開白紙上﹝27 x 39 公分﹞，根據你想到的的靈感，畫出一幅能表現該靈感所描述的事或物的畫。 第五步：請讀者用一段文字描述創作靈感，連同你畫的畫，公佈到網路上的藝廊，與人分享你創作的樂趣。 |
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Webmaster:
Dr. Hsien-Hui Lee |
