36《後期印象派藝術》


  所謂後期印象派,並不是印象派的延續,而是突破了印象派,甚至否定了它的一些理念的一個派別。

  印象派興起後,漸漸有藝術家對這種只依賴視覺及科學分析的畫派感到不滿,而又重新反省繪畫的本質,反對片面追求外光與色彩,強調抒發畫家的自我感受和主觀情緒,十九世紀末,以賽尚﹝Paul Cezanne﹞、高更﹝Paul Gauguin﹞和梵谷﹝Vincent van Gogh﹞為代表的後印象派藝術中,可以看到對形體結構問題的回歸,對表面設計、色彩內涵及裝飾性的重視,以及對表現性變形的自覺運用。除了這三位大師之外,屬於後期印象派的重要畫家還有羅特列克﹝Toulouse Lautrec﹞和亨利•盧梭﹝Henri Rousseau﹞。點描派﹝Pointillism﹞的畫家因為是印象派的分支,譬如秀拉﹝Georges Seurat﹞也可歸類於後期印象派。

  後期印象派是二十世紀現代主義藝術與其他各種「主義」的源頭:塞尚重理念,注重結構,注意畫面的建築美,孕育了立體主義。高更、梵谷更注意感情,強調色調的美和藝術表現的象徵意義,對野獸派和表現主義影響很大。

畫家:塞尚Paul Cezanne, 1839 ~ 1906

  塞尚生於法國南部,是立體主義的先驅和二十世紀各種抽象藝術的開拓者。他的最大成就,是對色彩與明暗前所未有的精闢分析。與印象主義者注重描繪轉瞬即逝的視覺感受的意向相反,他試圖實現一種新的堅實結構,並力求對所見事物進行高度理性的綜合。不過塞尚的繪畫仍然保留了古典的形式觀念,人們稱譽他為現代藝術之父。

  塞尚經常繪畫靜物,並且反覆加以鑽研。在一些精心組織的靜物畫中,他對於空間、體積和透視的科學性並不怎麼重視,而是注重畫面中形體和色彩之間的平面佈局,力求達到一種類似圖案一樣的平面的和諧與均衡。塞尚作畫時,總是全神貫注的投入於眼前所見景物,不斷的組織再組織,直到他能「正確的」看到他認可的主題為止。

  譬如在《靜物》﹝Still Life with Apples and Oranges﹞這幅畫中,塞尚從好幾個不同的角度來表現物體的大小結構,藉以強調他對物體的視覺方法。

靜物
﹝Still Life with Apples and Oranges﹞
1895 ~ 1900 年

塞尚﹝Paul Cezanne﹞之作品

油彩.畫布,73 x 92 公分

羅浮宮,巴黎,法國

  這種從不同角度觀看一個物體的多樣性和選擇觀看角度的重要性成為二十世紀立體主義發展的為基礎。塞尚為自己創造了一個屬於自己獨特的空間,完全擺脫傳統的透視法。他擅於選擇一些不尋常的觀看角度,在畫面上創造出獨特的結構,把觀賞者引入他創造出來的現實和邏輯當中。

  在《靜物》這幅畫中,塞尚按照他自己的想法創造了一種「反透視法」,他不為觀賞者創造進入畫裡面去的深度,而是創造被他所描繪的物和人向觀賞者走出來的印象。如此一來,觀賞者的目光自然就被吸引到畫中的多個不同物體上去了。

  塞尚所畫的肖像畫,特別是人物畫,是他所有作品中最精湛的,這類畫和他的風景畫及靜物畫有著同樣不朽的地位。在《玩紙牌的人》﹝The Card Players﹞這幅畫中,塞尚畫當地咖啡館中玩牌的一些客人,表現親切而充滿人性的溫暖。

玩紙牌的人
﹝The Card Players﹞

1890 ~ 1892 年

塞尚﹝Paul Cezanne﹞之作品

油彩.畫布,45 x 57 公分

奧塞美術館,巴黎,法國

  畫中兩位坐著玩紙牌的人,雖然是多麼微不足道、多麼平庸無奇,卻表現出他們舉足輕重的位置和其存在的價值。塞尚獨具風格的場景雖然削弱了一點現實主義的色彩,但依然保存了這兩個人給人的真實感。

  這幅畫再度顯現出塞尚運用他所理解空間和人物大小的新方式,改變了繪畫的格調和技巧。其中人物是由周圍的畫面以及為適應這些畫面而用帶色的筆觸所畫出的身體的各個體面所構成的。這種技巧為畫壇預告了立體主義繪畫的形式,並預見了畢卡索在 1909 ~ 1910 年間所繪製的人像。

  塞尚反對傳統繪畫觀念中把素描和色彩割裂開來的做法,而是追求直接用色彩來表現物體的透視,因此在他的畫中色彩不但和諧而且美麗。他在面對一件寫生物件時,總是極其審慎地觀察、思考和組織畫面的色調,並反復推敲修改,以致於許多畫總像是沒有完成似的。

畫家:高更Paul Gauguin, 1848 ~ 1903

  高更是法國後印象派畫家、雕塑家、陶藝家及版畫家。高更早期的繪畫帶有實驗性,也很拘謹。即使到了 1880 年代早期,雖然將筆觸放鬆、變寬,賦予畫面顫動的韻律特質,但在用色方面仍很拘謹。

  1888 年他前往不列塔尼﹝Brittany﹞,結識了畫家貝納﹝Emile Bernard﹞。高更的一些觀念受到貝納的影響,而形成今日所謂的「綜合主義」﹝synthetism﹞運動的理論基礎。後來他們兩人更進一步尋求新的表現力量,主張藝術應具備有力、率直而普遍的象徵;主張捨棄細節及特徵;主張藉由壓縮的感覺,將印象、觀念和經驗三者綜合起來,集中表現出來。

  高更於是走出了印象派畫家那種瑣碎的光影、固定短暫景象的意圖、以及對文學借喻的逃避。因此他的畫開始呈現最簡潔的形式,色彩強烈,背景簡化成節奏起伏的形態。此種現象可見於《黃色基督》﹝The Yellow Christ﹞這幅畫中。

黃色基督
﹝The Yellow Christ﹞

1889 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.畫布,92.1 x 73.4 公分

水牛城公共美術館,紐約,美國

  高更對於《黃色基督》的構圖、素描和形體的安排、色彩的選擇,使之成為這種風格畫作的典範。雖然高更對於他所有的畫都是這樣做的,但在某些作品中還是體現了技法上的一些變化,這些變化通常是源自於畫布的作用,因為畫布的網狀結構常常能顯示出色彩是細塗的,還是有意要讓顆粒表現出來的。高更常常直接用朱紅色或雲青色塗在畫布上做為底色,來勾畫輪廓。然後畫背景和人像,並用大片均勻、對比鮮明的色彩塗在人像側面,使輪廓更加突出。

  1891 年時,高更為了逃債於是遠離西方文明,前往大溪地﹝Tahiti﹞。該地的原始和未開發的純真,令他深深著迷。熾熱的太陽光芒,尤其是更適合高更氣質的人群和自然環境幫助了他一臂之力。因此,每個人物、每幅景色、每個形體和每種色彩都超越了形象的外表而具有更深刻、更真實、更富有宗教色彩和贖罪的意義。

  從 1899 年完成的《戴芒果花的大溪地年輕姑娘》﹝Fanciulle Tahitiane con Fiori di Mango﹞這幅中看出高更被大溪地姑娘的古典美、姿態和風度所迷住。他想要設法在自己的畫中抓住女性的魅力,突出姿態,使之更富有表情。

戴芒果花的大溪地年輕姑娘
﹝Fanciulle Tahitiane con Fiori di Mango﹞

1899 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.畫布,94 x 72.2 公分

大都會美術館,紐約,美國

  《我們從何處來?我們是什麼?我們往何處去?》﹝Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?﹞是高更規模最大的一幅作品,也是他在 1897 年企圖自殺前的一項個人見證:

我們從何處來?我們是什麼?我們往何處去?
﹝Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?﹞

1897 年

高更﹝Paul Gauguin﹞之作品

油彩.畫布,96 x 130 公分

波士頓美術館, 麻州,美國

  關於生存的意義這樣的問題,始終回盪在高更的腦海中,困擾著他的一生。而問題的答案只能從他畫的形體和色彩中去找到答案。這樣他那充滿著否定、痛苦和破滅的夢想的一生就沒有虛度。高更第二次到大溪地所作的這幅畫,是他對這一問題開展的成果和見證,體現了他超越繪畫界限的願望,以彩色和形體來揭示人類靈魂、疑問、希望和失望的悲劇。

畫家:梵谷Vincent van Gogh, 1853 ~ 1890

  荷蘭籍畫家梵谷的名字在現代藝術中也許是最出名的,因為他的畫有最獨特的個性和非凡的魅力。在形與色的處理上,他喜用誇張或簡化的手法,削弱傳統的光影手法,有意識地強化色彩價值,並且利用色彩對比取得和諧。

  梵谷在荷蘭時期所表現的繪畫特色是用色陰暗,造型滯重,描繪主題主要是農民以及他們的農務。1886 年,他到了巴黎開始熟悉許多當時新的藝術表現形式,尤其對日本浮士繪和魯本斯的作品更感興趣,於是他繪畫的題材和用色有了全然的改變。他雖然採用印象派畫家的技法,但是題材則轉向花卉、巴黎景物、人像畫及自畫像,這種轉變使他嘗試到新的觀念。

  到了亞耳﹝Arles﹞之後,梵谷畫了很多色彩明亮、生動、充滿情感及對光的表現的風景畫和人像;尤其在高更抵達亞耳之後,他的作品明顯受到高更所提倡的綜合主義的影響,即造型簡化,少用混色。

夜間咖啡館
﹝The Night Cafe in the Place Lamartine in Arles ﹞

1888 年

梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品

油彩.畫布,70 x 89 公分

耶魯大學藝術畫廊,康州,美國

  梵谷在聖雷米﹝Saint-Remy﹞和奧文斯完成的作品中使用鮮活的色彩、陰鬱而如火焰般的筆法,充分顯露出他深受折磨的精神狀態。《夜間咖啡館》﹝The Night Cafe in the Place Lamartine in Arles﹞就是這段期間的代表作之一。在這幅作品當中,色彩非常耀眼。梵谷有意使用這種色調,表現令人忐忑不安的場景。他又為了強調房間的縱深感,選擇了高視點,使透視線非常精確。

  綠色天花板下燈泡的黃、綠色暈圈放射出刺眼的光線,其強度使人感到難受。冷清的咖啡館中,人物散坐在屋內兩側,寥寥可數,越發呈現出咖啡館內空蕩蕩的氣氛。老板站在偏離中央的地方,孑然一身,在這間瀰漫著淒涼和孤寂氣氛的大屋子裡,看上去格外渺小。

麥田群鴉
﹝Wheatfield with Crows﹞

1890 年

梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品

油彩.畫布,50.5 x 100.5 公分

梵谷博物館,阿姆斯特丹,荷蘭

  在另一幅畫《麥田群鴉》﹝Wheatfield with Crows﹞當中,梵谷清楚的表達他的「悲傷與極度的寂寞」。他透過不尋常的寬畫幅,麥田延伸得特別寬闊,並在畫幅前景處開出三條通道。一般畫家常用在寬廣、開放的田野上的正常結構透視表現法,在此全被梵谷顛倒了過來。畫中的線條走向是由地平線向畫面的前方匯集,畫面上的空間完全沒有視點中心,藍天和黃色的田野彼此朝反方向推擠,一大群烏鴉劃過天地的分界,飛向未知的前方。

  梵谷一生留下了豐富的作品,但直到去世後才被人們認識。在這些作品中,他突出了自我精神的表現,一切形式都在激烈的精神支配下跳躍和扭動,這樣的藝術對表現主義影響甚深。他是繼林布蘭之後荷蘭最偉大的具有世界性影響的畫家。雖然後印象主義開創了二十世紀的繪畫語言,不過後印象主義的主要畫家生前幾乎都默默無聞。

畫家:亨利•盧梭Henri Rousseau, 1844 ~ 1910

  亨利•盧梭是法國卓有成就的偉大畫家。他生於法國西北部的拉瓦爾市﹝Laval﹞,1871 年,進入巴黎一所收費站中工作,因此博得「關稅員」的稱號。難以肯定的是盧梭從什麼時候開始認真做畫的? 1884 年,當盧梭 40 歲時,曾經透過克萊芒特﹝Felix Clement﹞的介紹,得到了臨摹羅浮宮收藏品的許可証。

  1886 年,他以《狂歡節之夜》﹝A Carnival Evening﹞參加獨立派展覽。此後他平均每年都有 5 幅以上作品展出。1891 年起常至植物園觀賞溫室堛獐鰡a景物,創作了許多充滿幻想式的作品,如《夢境》﹝The Dream﹞ 這幅畫。

夢境
﹝The Dream﹞

1910 年

亨利•盧梭﹝Henri Rousseau﹞之作品

油彩•畫布,204.5 x 298.5 公分

現代美術館,紐約﹝New York﹞,美國

  《夢境》是一幅抒情味十足、也最富色彩的裝飾性的作品,是盧梭最具代表性的傑作。它展示了幻想中的原始森林,滿布著奇花異木。在這人跡罕見的原始從林中,一位裸體女人躺在不可思議的華麗沙發上,而在畫面中間的一個皮膚黝黑的男人吹起長笛。這不是真實的存在,它是一個怪異的夢境,表露了畫家天真的想像力。

  1893 年退休之後,生活清苦,卻全心投入繪畫創作他用那純真無瑕的眼睛去觀察世界和感受生活的真諦,這使他的畫具有強烈而鮮明的個性。別人常把他歸為「原始的」、「素人的」、「周日畫家」之列,他卻光明正大地認為自己是不折不扣的專業畫家。他充滿想像的作品,獲得了詩人的讚賞及畢卡索等前衛畫家所推崇。

  盧梭畫的主題包羅萬象,除了巴黎市郊,還有手法率真直接的人像,瑰麗的寓言性作品,花卉、尤其是一批富異國情調的大幅幻想式作品,這些作品是他常逛巴黎的公園、植物園、動物園所激發出來的。

畫家:秀拉Georges Seurat, 1859 ~ 1891

  秀拉是點描派﹝Pointillism﹞的代表畫家,後期印象派的重要人物。他的畫作風格相當與眾不同,畫中充滿了細膩繽紛的小點,當你靠近看,每一個點都充滿著理性的筆觸,與梵谷的狂野,還有塞尚的色塊都大為不同。他擅長畫都市中的風景,也擅長將色彩理論套用到畫作當中。

  秀拉在藝術上偏愛米勒﹝Jean Francois Millet﹞對於自然主義的觀念、德拉克洛瓦﹝Eugene Delacroix﹞對於色彩和表現形式上的自由、柯洛﹝Jean Baptiste Camille Corot﹞對周圍環境的敏感以及庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞在現實主義下有見地的觀察力。當然,他也研究印象派的畫家,但是也無意去追隨任何人,他只想樹立自己的風格。他非常仔細地、有時似乎是過分仔細,甚至是對極小的細節進行估算;合理地、有條不紊地研究和安排空間、線條、色調、陰影和光線。凡是印象派畫家所提倡的想像與實踐的自由,及自發性的創造力之理論等,秀拉都竭力地推崇其嚴謹性。

  秀拉最出名的作品是《大傑特島的星期日下午》﹝A Sunday on La Grande Jatte﹞。

大傑特島的星期日下午
﹝Sunday Afternoon on the Island of la Grande Jatte﹞
1884 ~ 1886 年

秀拉﹝Georges Seurat﹞之作品

油彩•畫布,205 x 308 公分

芝加哥藝術中心,芝加哥﹝Chicago﹞,美國

  這幅畫是點描派的一個範本。秀拉為了製作這一幅巨作,花了兩年的時間,四百多幅的素描稿和顏色效果圖,為的是讓顏色更準確。在畫面上一共有四十個人物,每一個人物都是畫家經過很仔細的構圖而成。它們好像彼此沒有關係地擺在一起,但畫面上卻充滿著一種寧靜的秩序美。

畫家:羅特列克Toulouse Lautrec, 1864 ~ 1901

  作為後印象派畫家,羅特列克的繪畫技巧深受印象畫派啟發,但又結合浮世繪筆法與個人寫實的才華而獨樹一格。他的繪畫作品主要可分成兩大類型:油畫與石版畫。無論哪種類型,幾乎都以人物素描為主題物件。受到竇加﹝Edgar Degas﹞的強烈影響,羅特列克的畫作充斥著各式各樣的人物樣貌。

  雖然同樣專注於人物畫,但羅特列克與竇加的風格又大異其趣:竇加的畫作被認為宛如鑰匙孔中的結果,她們﹝多數是女性﹞在畫中的姿態宛如不曾留意畫家的筆觸,因此留下無矯作的體態之美;然而羅特列克的畫作卻有意無意的扭曲或誇大畫中人物的樣貌神情,進而強調人物的生命力與寫實感,讓粗莽的中低階層居民也戴上莊嚴的面紗。對於自己的創作理念,羅特列克曾說:「我致力於創作真實而非理想,或許這是缺點。雖然我並不喜歡醜陋的東西,但我對它仍帶有幾分興趣地塗上顏色,或畫成圓形,或使之發光...。」例如 1892 年畫的紅磨坊酒店》﹝At the Moulin Rouge﹞。

紅磨坊酒店
﹝At the Moulin Rouge﹞
1892 年

羅特列克﹝Toulouse Lautrec﹞之作品

油彩•畫布,123 x 141 公分

芝加哥藝術學院,芝加哥﹝Chicago﹞,美國

  羅特列克在海報﹝poster﹞歷史上佔有重要的地位。他的作品具有浪漫主義的特色,注重理念的表達,圖形簡化,色彩和諧統一、畫面強調裝飾性。因為受到了日本浮士繪木版畫的影響,他的畫有平面動態構圖以及粗獷的外輪廓線等。羅特列克的作品具有一種憤世嫉俗的激情,海報題材多為表現娛樂場所的生活景象,他採用富有漫畫意味的幽默和諷刺的表現手段,使海報的主題具有一定的寓意和象徵,因而更具深刻的社會意義。

  羅特列克創作的海報作品,既是向大眾傳播資訊的媒介,同時又是被公認的世界一流的繪畫作品。他在海報設計領域的傑出成就,使海報這一獨立的藝術形式提升了品位和品質,同時也提高了他的知名度。羅特列克的海報作品對當時繪畫界的影響很大,如他的海報《梅•彌爾頓》﹝May Milton﹞就掛在畢卡索在巴黎居住的屋內牆上,這在畢卡索的作品《藍屋》﹝The Blue Room﹞可得到佐證。

梅•彌爾頓
﹝May Milton﹞
1895 年

羅特列克﹝Toulouse Lautrec﹞之作品

五色平版印刷,80 x 59.5 公分

聖地牙哥美術館,聖地牙哥﹝San Diego﹞,美國