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Visual Literacy 視覺藝術欣賞與評析 |
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第一部份：從觀賞者立場看藝術作品
﹝第 5 講﹞《顏色》
前面一章說明藝術家僅靠明暗對比就可以創造出一種視覺形式，引起觀賞者某一種特定的反應。不過，如果我們觀賞法國寫實主義時期畫家庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞的一幅油畫作品《靜物：蘋果和石榴》﹝Still Life with Apples and a Pomegranate﹞，我們會發現這幅油畫中的明暗區域似乎呈現了另外一種品質。因為在這幅畫中，我們的印象不僅止於明暗區域間各種不同「亮度」的對比，更會注意到這些區域的色彩表現。
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靜物：蘋果和石榴 ﹝Still Life with Apples and a Pomegranate﹞ 1871 年 庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞之作品 油彩•畫布，44 x 61 公分 國家畫廊，倫敦﹝London﹞，英國 |
在視覺的過程中，人們對於色彩的感受經常會有強烈的情緒反應，這樣的反應經常是直接而強烈的，而且將色彩與許多不同的經驗與情緒連接在一起。譬如，藍色會使我們感覺孤寂、悲哀，也使我們感覺陰涼；另一方面，紅色則予人熱情或渴望的感受。就像《靜物：蘋果和石榴》這幅油畫中的大片紅色，它本身就給我們很大的愉快感覺。但在另外一種情形，如車禍中的傷者，其身上所流的紅血，可能會在我們心中產生一種暴戾或毀滅的印象，這個事實說明了色彩對視覺經驗的影響力。
由於色彩及其彩度有無限的變化可能，在線條之外，經常成為藝術家表達豐富感情的要素；特別在西方繪畫中，色彩的重要性絕不亞於線條描繪。因此，許多人就做了很多色彩實驗，並且建立了一些系統化的色彩原則，說明種種色彩的品質，以及各種彩度之間的相互關係。
| 色彩的特質 |
當包浩斯設計學院成立時，在畫家教師康丁斯基﹝Wassily Kandinsky﹞和造型原理教師伊登﹝Johannes Itten﹞的指導之下，色彩是基礎設計的課程重點之一。尤其是伊登，他很強調從科學的角度去研究色彩，在二十世紀初，就提出了基本色彩理論﹝Basic Color Theory﹞。根據這個理論，他又進一步發展出一種新的色環﹝color wheel﹞，改變過去傳統對色彩的看法。這種色環後來被稱為「伊登色環」，至今一直都被廣為使用。
伊登色環 |
色環上有三種最基本的顏色，紅色、黃色和藍色，我們稱它們為「原色」﹝primary colors﹞。原色為不能經由其他色彩混色而成的色彩，反之，其他色彩則可以由這三種原色混合而得。
將三原色兩兩相互混合，會形成綠色、橙色、紫色，我們稱這三種顏色為「第二次色」﹝secondary colors﹞。再由原色與相鄰的第二次色相混合，形成黃綠色、黃橙色、藍綠色、藍紫色、紅橙色、紅紫色，我們稱這六種顏色為「第三次色」﹝tertiary colors﹞，有人另稱為「中間色」﹝intermediate colors﹞。將原色、第二次色和第三次色依照相混的順序排列成環狀造型，則形成伊登色環。
根據伊登的基本色彩理論，色環是由一邊是暖色與一邊是冷色的兩個色系的色彩所組成。暖色系色彩包括黃色、橙色和紅色；冷色系色彩包括綠色、藍色和紫色。如果將這兩種相對的顏色排列在一起，會產生冷色越冷，暖色越暖的視覺效果。對於顏色的選擇，我們必先了解色彩對情緒的影響，當我們面對一個暖色系的顏色，我們應該會感受到這顏色帶給我們的暖意。
在色環上，凡是位於相對面的位置，形成 180 度的兩個顏色，我們稱之為「互補色」﹝complementary colors﹞，如紅色與綠色、藍色與橙色、黃色與紫色等。互補色運用在繪畫時，不同色彩的面積不一定要相等，最好給予適當的大小，才能獲致相互為用的優點。下圖荷蘭後期印象派畫家梵谷﹝Vincent van Gogh﹞所畫的作品《有烏鴉的麥田》﹝Wheat Field with Crows﹞，就是應用互補色，以對比的方式選擇藍色的天空背景以突顯橙黃色麥田的例子。
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有烏鴉的麥田 ﹝Wheat Field with Crows﹞ 1890 年 梵谷﹝Vincent van Gogh﹞之作品 油彩•畫布，50.5 x 100.5 公分 梵谷博物館，阿姆斯特丹﹝Amsterdam﹞，荷蘭 |
此外，位於色環上小於 90 度內的鄰近色彩，我們稱之為「類似色」﹝analogous colors﹞，如橙色與鄰近的黃橙、紅橙等顏色。類似色能產生調和的感覺，譬如西班牙矯飾主義時期畫家葛雷柯﹝El Greco﹞的作品《托利多風景》﹝A View of Toledo﹞，就是以綠色為主調，加上黃褚與藍綠之類似色，再輔以明度之變化，使整個畫面看來很調和。在這幅畫中，綠色和黃褚兩種基本顏色交錯混雜，主導了整座山巒。山巒的黃褚色時時截斷而發出螢光的綠色，城鎮的輪廓在陰暗天空的銀光映襯之下發出了亮藍色。
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托利多風景 ﹝A View of Toledo﹞ 1597 ~ 1599 年 葛雷柯﹝El Greco﹞之作品 油彩•畫布，121 x 109 公分 梵谷博物館，阿姆斯特丹﹝Amsterdam﹞，荷蘭 |
伊登在他的色彩訓練課程中，主張色彩理論須與造型理論合一運用，將色彩以「色相」﹝Hue﹞、「明度」﹝Value﹞和「彩度」﹝Intensity﹞有三種基本要素，作為教學主軸來訓練學生對於色彩的敏感度與心理感受度。
「色相」也稱為「色度」。肉眼在光線充足時，對不同的可視波長有不同的反應，而色相則是這些色彩的名稱，如紅、藍、綠等。因此，色相的功用便是標明色彩在光譜與色環中的位置。下圖所示的色環上面呈現了各種不同色相，不過藝術家為了清楚起見，一般是以十二色色環中的色相為標準。
「明度」或稱「亮度」﹝brightness﹞是色彩由亮到暗的變化，或者是說色彩反射光亮的多寡。在任何色相的最亮與最暗之間，存在著許多明度階。因此在某一色相中添加黑色或白色能夠產生範圍廣闊的明度變化，若加入不同份量的白色所產生的色彩，稱之為「淺色調」﹝tints﹞；若加入黑色，則稱為「暗色調」﹝shades﹞。下圖顯示色相的明度變化，右邊趨向暗色調，左邊則趨向淺色調。
「彩度」一詞有稱飽和度﹝saturation﹞是用來區分同色相中，較鮮豔或較模糊的差別，也就是分辨一個色彩是較飽和、較強烈，還是較灰濛或較微弱。當彩度稱為濃度﹝chroma﹞時，指的色彩的光線特質。一般來說，最飽和、最純粹的色彩，存在於光束穿過三棱鏡得出的光譜之中。不過，若藝術家運用的色料已是最接近光譜色彩的色料，就可以說這個色彩是最高彩度。
若將以上「色相」﹝Hue﹞、「明度」﹝Value﹞和「彩度」﹝Intensity﹞三者以立體方式呈現如下圖，更可了解彼此之間的關係。
藝術家根據他的經驗應用色彩，如同音樂家使用樂器吹奏或彈奏一般，可以創造出各種不同美好的形與色的組合。如同下面二幅法國印象派畫家畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞的作品。前面一幅《夏天林中小徑》﹝Path through the Woods in Summer﹞採用綠色為主色搭配墨綠色，使畫面呈現盛夏的炎熱；後面一幅《秋天林中小徑》﹝Autumn, Path through the Woods﹞則在綠色中間禿顯出黃色，使畫面呈現從盛夏轉入秋天的感覺。
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秋天林中小徑 ﹝Autumn, Path through the Woods﹞ 1876 年 畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞之作品 油彩•畫布，81 x 65 公分 私人收藏 |
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夏天林中小徑 ﹝Path through the Woods in Summer﹞ 1877 年 畢沙羅﹝Camille Pissarro﹞之作品 油彩•畫布，81 x 65.7 公分 奧賽博物館，巴黎﹝Paris﹞，法國 |
荷蘭新造型主義藝術家蒙德里安﹝Piet Mondrian﹞的作品《構成 Ａ》﹝Composition A﹞運用水平和垂直的黑線條去分割畫面，然後在那些分割畫面中塗上色彩的原色，像是紅色、黃色和藍色。這種繪畫看起來呆板，其實是在描寫秩序，那些大小不一的方格、不同顏色及長短不同的線條所產生的和諧及韻律，是極具音樂性的。
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構成 Ａ ﹝Composition A﹞ 1920 年 蒙德里安﹝Piet Mondrian﹞之作品 油彩•畫布，91.5 x 92 公分 國立現代美術館，羅馬﹝Rome﹞，義大利 |
| 用色彩從事藝術創作 |
在觀看過程當中，有許多人對於紅、黃、藍三種「原色」特別留意，進而形成特殊的視覺經驗。在於某些色彩經驗經常發生在大多數人的觀察當中，譬如人的眼睛很容易受到的吸引。既然大家對三原色都有這種反應，因此有些藝術家也特別重視這些色彩。
葛雷柯﹝El Greco ﹞在《脫掉基督的外衣》﹝The Disrobing of Christ﹞ 這幅畫中，為了組成畫面與畫中所描述的事件，主要人物都以原色描繪而成。基督穿著一襲紅袍，前景的人物則穿著藍色與黃色衣服。基督右邊的那個男子所穿的綠袍，面積雖然與其他主色區域相同，但是吸引我們的力量卻不一樣。就這幅畫來說，首先吸引觀賞者的目光，並且對於畫產生立即印象的是紅、藍、黃這三種色彩。
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脫掉基督的外衣 ﹝The Disrobing of Christ﹞ 1577 ~ 1579 年 葛雷柯﹝El Greco﹞之作品 油彩•畫布，285 x 173 公分 主教堂，托利多﹝Toledo﹞，西班牙 |
既然三原色彩有其特殊的親近性，觀賞者就會在內心以這三種色彩為依據，利用它們與其他色彩的關係來觀察其他顏色。同樣的，藝術家也能從調色的過程所得到的經驗，譬如一個顏色與某一個原色之間的親疏關係，體會出調色過程所看到的其他顏色的特性。
從許多人的色彩經驗中，通常大家都知道把黃色和藍色混合會產生綠色，不過，即使沒有這種常識，實際上也會把綠色看成比較接近黃色或藍色，而不是接近紅色。致於綠色與紅色似乎就不容易相容，不過綠色與黃色就不一樣。同樣的橘色總是讓我們想到黃色與紅色，而非藍色。
藝術家既然觀察到不同色彩與某一個原色之間的親疏關係，就會利用這種情形來製造出不同的視覺效果。例如，庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞在《靜物：蘋果和石榴》的中央部分，安置一個近似純色，最鮮豔的紅色蘋果，其他周圍在這顆蘋果的其他紅色水果則比較晦暗。很明顯的，庫爾貝是運用色彩的明度與彩度，把同樣的顏色區分為較淡的與較深的、較亮與較暗的，以達到畫中所需要的立體效果。
庫爾貝﹝Gustave Courbet﹞ |
相對於中央這顆明度最亮的紅色蘋果，唯一用同等甚至更亮的明度繪出的水果，便是在它下方的那顆綠色蘋果。這兩顆蘋果使畫面前景部分形成一大片明亮的區域，如同被一道強光所照射。加上紅色特有的那種向觀賞者前進的暖色效果，使我們會產生自己正拿著燈光在照亮這幅景象的印象。不過，若再仔細觀察，中央這顆紅色蘋果並沒有因為它的色彩特質而有突出畫面之感，反而安定在畫面的構成中。主要原因是庫爾貝利用綠色的冷色與後退的色彩特質，把同等明亮的綠色蘋果擺在紅色蘋果旁邊，使觀賞者從這兩種色彩之間的自然對立，看到一種色彩的平衡。這種安排不但沒有減低中央區域的強度，反而加強了整幅畫的視覺表現。
我們接著來觀賞法國寫實主義與印象主義畫家竇加﹝Edgar Degas﹞的《騎師們》﹝Jockeys﹞。從這幅畫中，我們會了解觀賞者對於不同色彩之間的感受，會影響其對一幅畫作的印象。
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騎師們 ﹝The Jockeys﹞ 1882 ~ 1883 年 竇加﹝Edgar Degas﹞之作品 油彩•畫布，26.4 x 39.9 公分 耶魯大學畫廊，紐哈芬﹝New Haven﹞，美國 |
竇加在這幅畫中創造出一種擁擠、不安和運動的感覺，使觀賞者覺得有如置身於騎師之中。其中的動感並沒有出現在畫面所呈現的空間裡，而是透過構圖上的特寫，和緊身衣的明亮色彩對比表現出來。竇加還以從側面與後面觀看騎師的手法塑造一種偶然的景象，使畫面更加活潑。
這幅畫最先引人注意的是佔據畫面中央部分，身穿黃、藍兩種原色衣服的騎師，由此再注意到在他前面的另一位騎師被上的三個紅色斑點。畫中顯示那名身穿黃、藍色衣服的騎士旁的其他騎士所穿的衣服全都是紅色的。這些紅色讓觀賞者的眼睛不停的移動。舉例來說，觀賞者的目光會因為顏色相同的關係，迅速地從畫中的三個紅點，移動到畫面右上方的騎師，所戴的紅帽上面去。但是這部分就明亮與大小來說，幾乎與畫中央的黃色與藍色部分相當。因此觀賞者的目光，又會從騎士的紅色帽子，朝著黃色與藍色的區域移動回去。
雖然這時觀賞者的視線從紅帽回移到了黃色與藍色的區域，但是因為那些紅色的斑點再度誘使視線，向前移回到這一群人和馬的中間。由於畫中背景中沒有明亮的色彩，所以這些視覺運動都被加強了，使得觀賞者的目光被侷限在中央黃色與藍色的區域。不過這種視覺運動又被三個純紅色的斑點所控制，所以觀賞者的眼睛不會一直停留在一個地方。
竇加所選擇的色彩以及他處理它們的方式，使觀賞者的視線不斷的移動，讓這群參加競賽的人和馬看來特別有生氣，一旦視線回到原點，它會又重新運動起來。
瑞士的表現主義畫家克利﹝Paul Klee﹞在《玫瑰花園》﹝Rosengarten﹞這幅畫中，藉由一系列不同彩度與明度的紅色，結合不同的形狀構圖，將他心目中玫瑰園中的情境表現出來。
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玫瑰花園 ﹝Rosengarten﹞ 1920 年 克利﹝Paul Klee﹞之作品 油彩•卡紙板，49 x 42.5 公分 連巴赫市立美術館，慕尼黑﹝Munich﹞，德國 |
克利把整幅畫的畫面分散成許多細塊，不使某一個彩度過分集中在某一個區域，因而使得整個作品瀰漫著一股祥和浪漫之氣。但是由於這許多不同彩度的區域，似乎都是從這幅畫的底部向上升起，觀賞者也會意識到在表面的混亂之下存在著一種生機。特別是，中央部分屋頂尖端的暗色在四周淺色區域的陪稱下，特別明顯，經由屋頂的斜面構圖使人感受到向上的力量；在中央屋頂兩側的建築構圖也同樣呈現向上發展的趨勢。代表玫瑰花的圓形圖案散佈在充滿生機的建築構圖之中，似乎暗示此玫瑰花園的欣欣向榮。
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任何生物的生長過程都要克服種種困難，代表欣欣向榮的向上運動形狀也要受到阻撓，因此我們看到克利巧妙的利用色值的改變就達到這種效果，他把這幅畫的整個上半部用比下半部暗的明度給繪了出來。除了運用明度之外，克利還將中央部分屋頂尖端以上的構圖改採兩邊向中央傾斜的方式，形成阻礙，抗衡此屋頂向上的氣勢。《玫瑰花園》這幅畫雖然呈現玫瑰花的浪漫色彩，但也呈現其生長過程中所需要的努力和力量。
看過克利的《玫瑰花園》之後，再回頭和葛雷柯的《脫掉基督的外衣》比較，我們立刻會發現這兩幅作品擁有類似的構圖形式，同時也發現在觀看這兩幅作品時的視線，會被一些類似的運動所引導。它們在內容、大小與企圖上雖然大不相同，但是都被分成許多不同形狀、不同彩度的對比區域。而且這兩位畫家都要依賴觀賞者的視線在這些區域中間移動，才能把他們作品的內容給傳達出來。
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在克利這幅作品中那些上升的力量，從前景的玫瑰花圓圖案往上方及左右兩側方向發散出去，其中向上的力量是發展到中央部分屋頂的暗色尖端。在葛雷柯的這幅作品中，也同樣有上升的力量，從前景基督腳下的地方往上方及左右兩側方向發散出去，其中向上的力量是發展到基督的頭部。
我們前面說過克利如何改變這中央區域的明度來造成畫中的衝突效果。同樣的，葛雷柯在基督頭部後方安排一群只見頭部的人群，這群人的明度很顯然比基督頭部以下區域來得黯淡，形成對基督頭部的壓力，進而將基督往觀賞者面前推出。對於來自基督頭部上方的壓力，左邊那位穿藍色甲冑的武士，有抑制這股運動的作用，右邊那個穿綠袍的人體亦然，他們與基督的身體合在一起形成一道橫向的色彩障礙。這障礙經過右邊綠袍男子伸出的臂膀和綁住基督雙手的繩索所形成的短斜線，更加的顯著。如此，葛雷柯有效地將這幅畫分成上下兩部分。
此外，葛雷柯利用垂直分割畫面的方法暗示畫中人物的不同特質。他用較強的色彩強度強調了畫面右方，讓左邊成為一個比較安靜也比較黯淡的區域，而把在脫掉基督的外衣這個行動中的旁觀者與參與者給分了開來。在這個情形裏，左邊那個穿著藍色甲冑的武士就不成為實際事件中的參與者，這個效果可以從他並不注意現場中的任何人或任何事物而得到證實。我們因此不會把他看作是反對基督的人，卻會把他看成一個支持基督理想的人。
觀賞這幅畫到了最後階段，視線很可能會落在右上方一塊黃色的明亮區域，在那裡有一隻向前伸出的手臂，直直地看著我們，於是我們明白它並不是指著基督，卻在指責我們。這樣我們終於了解這幅畫的功能是要信徒體認基督受難的意義，而這功能主要也是靠葛雷柯對色彩的認識而得以完成。
| 創作練習 |
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參考克利﹝Paul Klee﹞的《玫瑰花園》﹝Rosengarten﹞所展現的風格之後，用自己設計的造形，以重複的形式或有規律的排列方式構圖，並用類似色或互補色創作一幅具有寒冷或溫暖感覺的彩色作品。 你可以準備繪畫的材料如下：
進行方式： 第一步：在素描紙上畫出自己滿意的造形。 第二步：複製出大小的造形組，並構成有規律的排列。 第三步：將第二步的結果描繪在圖畫紙上，再運用類似或對比色彩塗上顏色，營造出具有色彩感覺的作品。 第四步：完成之後，將作品貼在牆上或畫板上，然後站遠一些看這作品，並自我評價畫面的效果。 檢視作品：
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  《圖像裏的空間》 |
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